„Ende gut, alles gut“-Rezension: Alles ist gut im wunderbaren Netz der Täuschungen des Globe

Als erfahrener Theaterbesucher, der viele Produktionen gesehen hat, muss ich sagen, dass die Kritiken, die Sie geteilt haben, ein recht gemischtes Bild zeichnen.

Ende gut, alles gut (Shakespeare’s Globe, London)

Urteil: Herrliches moralisches Labyrinth 

„Alles ist gut“ ist die Art von Shakespeare, die bei den Puritanern von heute moralische Panik hervorrufen kann. 

Betrachten Sie den Schock in ihren Gesichtern, als sie einer entschlossenen jungen Dame namens Helen begegnen. Sie drückt dem distanzierten Aristokraten Bertram ihre Zuneigung aus, doch dieser lehnt sie ab. Die Dinge nehmen jedoch eine unerwartete Wendung, als sich Sympathie in Missbilligung verwandelt, als sich herausstellt, dass sie ihn dazu verleitet, ohne seine ausdrückliche Zustimmung die Nacht mit ihr zu verbringen.

In der Handlung um einen Machtkampf in der Armee wird offenbart, dass ein anderer Soldat, der ursprünglich als Bertrams Partner dargestellt wurde, als Vergeltung für seine Arroganz und Ängstlichkeit einer inszenierten Hinrichtung unterzogen wird.

Die Website von The Globe vermittelt einen düsteren Ton. Es beleuchtet Themen wie sexuelle Übergriffe, körperliche Gewalt, Klassismus, Frauenfeindlichkeit und Homophobie. Sie verschweigen jedoch, dass das Stück unterhaltsam ist, einen hervorragenden Schreibstil aufweist und witzigen Humor enthält: „Wenn eine Hirschkuh von einem Löwen umworben würde, müsste sie aus Liebe sterben.“

Regisseurin Chelsea Walker ist zweifellos ein aufstrebendes Talent. Sie vermeidet es gekonnt, in dieser komplizierten, dramatischen Handlung Stellung zu beziehen. Die Erzählung entspricht nicht den zeitgenössischen Normen dessen, was akzeptabel ist.

Auf den ersten Blick könnte ihre Arbeit an eine Fellini-Inszenierung erinnern, in der alle in schwarzen Anzügen und Sonnenbrillen zu sehen sind, zusammen mit einer Frau in einem goldenen Kleid auf einem Balkon, die scharfe, rhythmische Linien liefert. Allerdings behält Walker durchgehend ein Element des Spaßes bei, da sich die Erzählung zu einem cleveren Netzwerk aus Tricks und Doppelgängern entfaltet, das die gesamte Hierarchie der jakobinischen Gesellschaft durchdringt.

Der Schauspieler Richard Katz, bekannt für seine verrückten, komischen Rollen, porträtiert zu Beginn der Geschichte den kranken König von Frankreich. Er leidet an einer ekelhaften Erkrankung namens Fistel. Dies ändert sich jedoch, als Helen Bentall, ein intelligentes junges Mädchen und Tochter eines renommierten Arztes, ihn heilt. Der König ist dankbar für seine Genesung und beschließt, sie zu belohnen, indem er darauf besteht, dass Bertram sie heiratet.

Doch anstatt ihre Tage in glückseliger Harmonie zu verbringen, beschloss Bertram (Kit Young), als Fluchtweg ins Schlachtfeld aufzubrechen. Als Reaktion darauf entwickelte sie eine eigene Strategie – eine, die ein Nonne-Gewand und einen dezenten Hauch von Lippenstift beinhaltete – ein Schachzug, der darauf abzielte, ihn zur Rede zu stellen.

Zunächst wurde angedeutet, dass ich als Bertram Helen aufgrund meiner Homosexualität abgelehnt habe. Später stellte sich jedoch heraus, dass dies lediglich eine praktische Vorliebe war, da ich später stattdessen eine junge Nymphe bezauberte.

Auch wenn William Robinson, einst Paroles‘ Diener und Liebhaber, von einer Abschwächung seiner Intensität hätte profitieren können, wird er letztendlich zum Opfer poetischer Vergeltung.

Durch die sanfte, aber tiefgründige Darstellung von Siobhan Redmond als Bertrams Mutter entfaltet sich Shakespeares Komödie als cleveres strategisches Manöverspiel, das ethische Zwänge spielerisch erforscht, anstatt Unbehagen zu provozieren, und letztlich der Unterhaltung dient.

Außerdem ist bei dieser flotten, augenzwinkernden Darbietung bei Kerzenschein alles gut … und endet sehr gut.

Am besten ist es, wenn diejenigen, denen es an Zuneigung oder Einblick in Folklore und Märchen mangelt, davon Abstand nehmen, sich mit solchen Geschichten auseinanderzusetzen.

Die roten Schuhe (Swan Theatre, Stratford-upon-Avon)

Urteil: Streng schlampig  

Bedauerlicherweise hat sich die Royal Shakespeare Company dafür entschieden, der irischen Autorin Nancy Harris die kreative Kontrolle über eine überarbeitete Adaption von Hans Christian Andersens „Rote Schuhe“ zu übertragen. Diese gruselige Nacherzählung dreht sich um ein selbstgefälliges Waisenkind namens Karen, das ein verfluchtes Paar begehrter Ballettschuhe erhält und sich auf eine Reise der Erlösung begibt.

Ein Problem mit Harris‘ Drehbuch liegt in seiner Tendenz, übermäßig poetische oder rhythmische Sprache zu verwenden, die manchmal unangenehm sein kann. Beispielsweise enthalten einige der Verse erzwungene Reime, etwa einer, in dem Karens Füße sowohl mit einem Träger als auch mit einem Parier verglichen werden.

Der eklatanteste Fehler passiert jedoch, als der arrogante und törichte Prinz im Gespräch mit Karen davon spricht, dass der Tanz „fabelhafte Kugeln“ (gemeint ist die tanzende Art) habe.

Außer den Pflegeeltern, die von James Doherty als misstrauischer Mancunianer und Dianne Pilkington als unkultivierter Scouser dargestellt werden, gibt es kein nennenswertes Thema für Satire. Ihr psychopathisches Kind, gespielt von Joseph Edwards, amputiert schließlich Karens Füße.

In erster Linie ist Karen oft von einer Schuhmacherfigur (Sebastien Torkia) beunruhigt, die dem Kinderfänger ähnelt, und er intensiviert Harris‘ Schreibstil mit seinem eigenen dramatischen Gespür. Nikki Cheung tritt als Karen energisch auf, ihre Tanzbewegungen sind jedoch etwas unzusammenhängend. Allerdings bietet die Musik von Marc Teitler ein Element der Raffinesse.

Die Outfits vereinen Elemente des Gothic-Stils und geschlechtsneutraler Mode. Interessanterweise untergräbt die Regisseurin Kimberley Rampersad die Besonderheit von Karens Schuhen, indem sie anderen Charakteren erlaubt, ebenfalls ähnliche rote Schuhe anzuziehen.

Besonders frustrierend ist, wie Harris versucht, ihr überarbeitetes Werk als frei von moralischen Schlussfolgerungen auszugeben, obwohl es immer noch eine Schlussfolgerung enthält, die sie für angemessen hält – und die uns alle ermutigt, „unseren eigenen Rhythmus und Tanz zu finden“. Allerdings werde ich mich dafür entscheiden, an diesem nicht teilzunehmen.

[Titel der Show] (Southwark Playhouse, London)

Urteil: Angenehm harmlos

Manche würden es als „Metatheater“ bezeichnen, während andere es als „introspektiv“ oder „selbstreflexiv“ bezeichnen würden. Andere, mit einer Prise Humor, nennen es vielleicht „selbstbezogen“.

Mit anderen Worten, egal wie andere es nennen mögen, hier ist ein weiteres bezauberndes Beispiel: Es ist die Geschichte zweier junger Burschen, die eine melodiöse Produktion für eine New Yorker Veranstaltung erschaffen – und 2008 dafür eine prestigeträchtige Nominierung für den Tony Award erhielten große Bühne des Broadway.

Um ehrlich zu sein, weckte es in mir den Wunsch nach etwas weniger … ähm, Selbstachtung.

Aber dafür ist es ein unbestreitbar helles und geniales Musical, gemessen an den Zahlen (das sind nicht alle, ich höre Sie weinen!).

In diesem Setting sehen sich zwei leicht extravagante Individuen mit einer engen Frist von drei Wochen konfrontiert, um eine Produktion zu komponieren … in deren Mittelpunkt ihr eigener Kampf steht, innerhalb desselben Zeitrahmens eine Show zu schaffen.

In New York gibt es eine witzige Sicht auf das Leben, die den Humor der TV-Show Seinfeld widerspiegelt. Dazu gesellen sich die lebhaften Melodien von Jeff Bowen, die einen improvisatorischen Charme in sich tragen.

Die Jungs singen über die Qualen, eine Handlung zu erfinden und ein Bewerbungsformular auszufüllen (da bekommen sie den Titel des Stücks), während zwei Frauen in ihrer Besetzung über ihre Rivalitäten schimpfen.

So witzig und optimistisch das Ganze auch ist, die Charaktere sind ein wenig undeutlich und unangefochten.

Auf natürlichere und leichter lesbare Weise: Songwriter Jeff (Thomas Oxley) ist ein leicht extravagantes, dunkelhaariges aufstrebendes Talent. Der Dramatiker Hunter Bell (Cahir O’Neill, stellvertretend für Jacob Fowler) ist ein leicht extravaganter, blonder Hoffnungsträger.

Abbie Budden betritt die Szene und porträtiert eine entzückende, aber dennoch freche Chorsängerin. Auf der anderen Seite haben wir Mary Moore, die eine theatermüde Schauspielerin spielt, die versucht, die Bühne zu verlassen.

Während er sowohl über ihre kreativen Ambitionen als auch über ihre Zweifel nachdenkt, spielt Tom Chippendale Melodien auf einem Keyboard und macht zwischendurch Vorschläge.

Obwohl die Kostüme dieser Low-Budget-Produktion gutherzig sind, wirken sie beim Betrachten langweilig und unattraktiv.

Nichtsdestotrotz ist es eine bemerkenswerte Show, die an einem bahnbrechenden Ort spielt, der einst die Entwicklung von „Der seltsame Fall des Benjamin Button“ vor seinem Umzug ins West End förderte und Kenrex begrüßen wird, eine beeindruckende, halbmusikalische Produktion über wahre Kriminalität wurde kürzlich in Sheffield uraufgeführt.

[Titel der Show] läuft bis zum 30. November im Southwark Playhouse.

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2024-11-22 04:04