Mary Poppins-Rezension: Dieses Fünf-Sterne-Poppins ist voller Chim-Chim-Cher-ee

Als erfahrener Theaterbesucher mit mehr als drei Jahrzehnten Erfahrung muss ich sagen, dass die jüngsten Produktionen, denen ich beiwohnen durfte, geradezu fesselnd waren. Unter ihnen stechen zwei als besonders faszinierend heraus: „How To Survive Your Mother“ im King’s Head Theatre und „Formed in the Fire“ im National Theatre.

Mary Poppins (Hippodrome, Bristol und Tournee)

Urteil: Poppins der nächsten Generation

Proben von Shows im Broadway-Stil gelingen oft nicht, wenn sie auf landesweite Tourneen gehen. Kritiker haben sich geäußert, und die Künstler, Interpreten und das Team könnten ein Gefühl der Entspannung verspüren. Shows können abgenutzt sein, es werden Abkürzungen genommen und die ursprüngliche Vision wird manchmal beeinträchtigt.

Allerdings ist James Powells überarbeitete Version von Richard Eyres Produktion aus dem Jahr 2019, die ursprünglich im Londoner Prince Edward Theatre aufgeführt wurde, während ihrer Tournee überraschenderweise noch beeindruckender geworden. Es behält nicht nur seine glänzenden, lebendigen und familienfreundlichen Aspekte, sondern zeigt jetzt auch eine gewisse … Mut!

In P.L. Travers‘ Tales, das gemütliche, edwardianische Mittelklassehaus in der Cherry Tree Lane, das durch Julie Andrews und Dick Van Dyke im Film von 1964 Berühmtheit erlangte, hat sich verändert. Die beiden Kinder treiben weiterhin ihr Unwesen. Mr. Banks, der fleißige Edwardianische Vater, der im Finanzwesen arbeitet, bleibt ein liebenswerter Kerl. Seine Frau Winifred strahlt immer noch nervösen Charme aus, als Mary Poppins – die praktisch perfekte Nanny – einspringt, um den Tag zu retten, nachdem zahlreiche andere Nannys aufgrund des wilden Verhaltens ihrer Kinder entlassen wurden.

Obwohl die Serie keine unerwarteten Wendungen bot, liefert die australische Schauspielerin Stefanie Jones eine atemberaubende Leistung als Mary ab. Im Gegensatz zu ihrer Figur kommt sie nicht unerwartet. Sie hat sich in Down Under bereits einen Namen gemacht und teilte die Bühne mit Jack Chambers, der ihren verdächtig liebenswerten „Freund“ Bert, den Schornsteinfeger, spielt (eine Rolle, die er in dieser Produktion erneut spielt). Jones verkörpert gekonnt jeden Aspekt der Rolle. Mit den richtigen Tanzfüßen und den behandschuhten Händen, die auf einem Stock in Form eines Vogels ruhen, verleiht sie ihrer Stimme einen fruchtigen Ton, führt präzise Tanzschritte aus und strahlt ein unvergleichliches Gefühl der Überlegenheit aus.

Ihr Verhalten hat etwas Ungewöhnliches, das auf eine Roboterqualität hindeutet, die darauf hindeutet, dass sie eine hochmoderne KI-Betreuerin sein könnte. Sie wirkt unglaublich menschlich, aber es gibt eine beunruhigende Unklarheit: Ist sie echt oder ein außergewöhnlich lebensechter Roboter? Seien Sie versichert, diese Vermutungen könnten lediglich das Ergebnis meiner überaktiven Fantasie sein.

Die Show basiert auf kontinuierlicher Überlegenheit und unterhaltsamen Momenten. Michael D. Xavier porträtiert eine Figur, die an Basil Fawltys Vater erinnert, während Lucie-Mae Sumner eine warme, nordische Mutter verkörpert. Wendy Ferguson spielt eine Figur, die einer ehemaligen Kinderfrau aus der Hölle, Miss Andrew, ähnelt, und Rosemary Ashe spielt eine leicht verrückte Köchin. Ruairidh McDonald übernimmt die Rolle eines trägen Flaschenreinigers.

Die abwechselnden Kinder sind gleichermaßen beeindruckend – sie sind für ihr Alter ziemlich fortgeschritten, aber nicht übermäßig fortgeschritten – und Patti Boulaye verleiht der Aufführung mit ihrer Interpretation von „Feed The Birds“ als Vogelfrau einen unheimlichen Charme.

Interessanterweise geben die Tricks der Show dem Auge weiterhin Rätsel auf, da Marys verzauberte Reisetasche auf mysteriöse Weise unwahrscheinliche Gegenstände wie gewöhnliche Lampen, mit Grünpflanzen gefüllte Behälter und sogar ein Teeservice hervorbringt.

Der grau schattierte Park entfaltet sich auf magische Weise, ähnlich einem Pop-up-Buch, in einen lebendigen Garten voller blühender Blumen auf anmutig tanzenden Statuen. Währenddessen tickt die Küche in gewohnter Unordnung harmonisch weiter und bereitet die Bühne für die bezaubernde Melodie „A Spoonful of Sugar“.

Es ist jedoch erwähnenswert, dass die Videoprojektionen auf scheinbar bemalte Hintergründe innerhalb des Puppenhaus-Bühnendesigns einen schwachen Schimmer haben, der ein unheimliches Gefühl vermittelt und auf etwas Jenseitiges oder Übernatürliches hindeutet.

Apropos Musik der Sherman-Brüder: Hits wie „Chim Chim Cher-ee“, „Practically Perfect“ und andere Mary-Poppins-Klassiker waren absolut brillant und versetzten uns in Staunen. Ebenso läuft Richard Jones‘ Neuinterpretation der Choreografie von Matthew Bourne und Stephen Mear so reibungslos wie eine weitere gut geölte Schweizer Uhr – eine Metapher für die Beständigkeit und Präzision einer Kuckucksuhr.

Die Kompanie führte zwei spektakuläre Auftritte auf: Zunächst erfüllte sie die Luft mit dem magischen Wort „Supercalifragilisticexpialidocious“ im Süßwarenladen, und später führte Bert kopfüber auf Drähten tanzend einen rhythmischen Stepptanz der Schornsteinfeger auf dem Bühnenbogen an .

In London habe ich mir zusammen mit meinen beiden Töchtern den Originalfilm angeschaut. Damals waren wir davon begeistert, aber jetzt denke ich, dass eine höhere Bewertung gerechtfertigt sein könnte.

Mary Poppins wird bis zum 30. November im Bristol Hippodrome auftreten. Um sich über zukünftige Showtermine zu informieren, besuchen Sie marypoppins.co.uk.

Auf der Suche nach Gold (Park Theatre, London)

Urteil: Braucht dramatischen Durchschlag

Bei einer Theateraufführung gibt es nichts Ärgerlicheres, als wenn jemand in der Nähe Kartoffelchips zerkleinert – es sei denn, es handelt sich bei dieser Person um niemand anderen als den legendären ehemaligen Boxweltmeister im Halbschwergewicht des World Boxing Council (WBC), John Conteh.

Diese Woche hatte ich das Vergnügen, einer herzlichen und etwas unorganisierten Gedenkfeier für Contehs verstorbenen Freund und Mitbewohner Frankie Lucas beizuwohnen.

Im Alter von neun Jahren stammte Lucas von der Karibikinsel Saint Vincent und zog 1962 voller Begeisterung für das Boxen nach London.

In Croydon trainierte Ken Rimmington, ein Boxer aus Yorkshire, mit ihm. 1972 besiegte er den britischen Goldjungen Alan Minter in der Albert Hall. Es war jedoch Minter, der ausgewählt wurde, England bei den Olympischen Spielen zu vertreten. Wieder einmal unbeachtet, dieses Mal bei den Commonwealth Games 1974, entschied sich Rimmington dafür, stattdessen für Saint Vincent zu kämpfen und gewann Gold, indem er den Engländer Carl Speare im Halbfinale ausschaltete.

Auf der Suche nach einem höheren Einkommen beschloss Lucas, seinen Trainer zu dem renommierten George Francis zu wechseln, der zuvor Boxer wie Conteh und mit der Zeit auch Frank Bruno trainiert hatte.

Das Berufsleben von Francis verschlechterte sich jedoch, was ihm Sorgen über Frankies Marihuanakonsum machte. Lucas begann darüber nachzudenken, dass in seiner linken Hand das Böse wohnte, und das war alles andere als günstig. Er merkte, dass er es festhielt und nicht bereit war, es loszulassen.

Während unserer Pause erzählte mir Conteh, dass Frankie von seiner Wut angetrieben wurde, Lisa Lintotts Stück jedoch in erster Linie ein Bild von ihm als einem freundlichen und zärtlichen Geist zeichnet, wenn auch mit einem Hauch von Wärme der Nostalgie.

In einem lockereren und gesprächigeren Ton: Genau wie seine Mutter Lisa ist ihr Sohn Jazz Lintott, namens Frankie, leicht zu erziehen und zeigt große Geduld. Doch im Gegensatz zu seinem ruhigen Auftreten ist er als beeindruckender Kämpfer bekannt, was ihm den Spitznamen „der unberechenbare Krieger des Rings“ einbrachte.

Cyril Blake ähnelt Lucas‘ erstem Mentor Ken in seiner Freundlichkeit und Gastfreundschaft, während Nigel Boyle die strenge, aristokratische Figur von George darstellt und Erinnerungen an Henry Cooper weckt. Daniel Francis-Swaby spielt Michael, den charmanten und liebevollen Sohn von Frankie.

Obwohl die Regisseure Philip J. Morris und Xanthus ihr Bestes geben, um das Publikum mit einem labyrinthartigen Requisitenset auf einer kompakten Bühne in diesem Theater mit 90 Sitzplätzen zu überwältigen, gehen wir mit Dankbarkeit dafür, tiefere Einblicke in diese faszinierende verstorbene Figur gewonnen zu haben im April des Vorjahres.

Es war ziemlich unterhaltsam zu erfahren, dass Frankie mit dem Reggae-Song „Johnny Reggae“ aus den 1970er Jahren in Verbindung gebracht wird (er ist ein ziemlich charmanter Kerl). Außerdem war ich erfreut, als ich herausfand, dass die Spekulationen darüber, dass er Prinzessin Anne geküsst hätte, unbegründet waren. Wenn man bedenkt, was ihr Vater gesagt hat: „Wenn es kein Gas ausstößt und kein Heu frisst, hat sie kein Interesse.“

Wie man seine Mutter überlebt (King’s Head Theatre, London)

Urteil: Monstermama

Dieses kraftvolle Stück des ehemaligen BBC-Journalisten und Dramatikers Jonathan Maitland über seine Mutter kann als Meisterwerk intensiver Selbstquälerei angesehen werden.

Eine zutiefst problematische Bindung zu seiner Mutter zu erleben, ist etwas völlig anderes, als sie aufzuzeichnen, für die Bühne umzuwandeln und wiederholt darin aufzutreten – wie Maitland es hier tut – für minimale Bezahlung in einem unabhängigen Theater.

Ma Maitland wird als jüdische Löwin dargestellt, die aus Osteuropa stammt und einen besonderen Akzent hat. Sie trägt oft ein Kleid mit Leopardenmuster, das den Eindruck einer eher vielseitigen Katzenfigur vermittelt.

In den 1960er und 1970er Jahren, als ihr Sohn heranwuchs, übernahm sie eine betrügerische Rolle, indem sie den Tod vortäuschte, versäumte es aus finanziellen Gründen, ihn von seinem Internat abzuholen, unternahm erfolglose Versuche, Beamte ihrer fragwürdigen Altenpflegeeinrichtung zu bestechen, und konvertierte ihr Haus in Surrey in ein schwules Gästehaus namens „Homolulu“ um.

Maitlands Werk ist voller kraftvoller Phrasen und einer Fülle kraftvoller Sprache, die er als „Interpunktion“ bezeichnet, da sie von seiner Mutter nicht als Schimpfwort angesehen wurde.

Darüber hinaus veranlasst die häufige Verwendung von Humor, um seine Erzählung zu verschleiern, eine andere Figur (in dem Stück ein Psychiater) zu der Annahme, dass er Witze als eine Form des Selbstschutzes einsetzt. Seine Reaktion ist, dass das Aufgeben der eigenen Verteidigung zu einer Niederlage führt, um ein Beispiel aus dem Fußball zu nennen: „Ähnlich wie es Newcastle United unter Kevin Keegan tat.“

Emma Davies porträtiert gekonnt Maitlands komplexe Mutter, die giftig, gerissen, manipulativ, betrügerisch und wahnhaft ist und sogar behauptet, an „Stirnkrebs“ zu leiden. Interessanterweise übernimmt sie auch die Rollen seiner Ehefrau und Therapeutin und schafft so eine psychologisch fesselnde Dynamik.

In Oliver Dawes Inszenierung scheint es an dramatischer Kohärenz zu mangeln, und dieses Problem wird durch Louie Whitemores minimalistisches, ganz in Weiß gehaltenes Bühnenbild, das kein klares Gefühl für die Epoche oder den Ort vermittelt, nicht gelöst. Stattdessen setzt die Produktion auf einen abwechslungsreichen Soundtrack, der Lieder von Showaddywaddy, Randy Edelman und Herb Alpert enthält, um die Kulisse zu schaffen.

Es scheint, dass Maitland eher zurückhaltend ist und nicht viel über sich preisgibt, so dass die faszinierende Frage, wie er es geschafft hat, über seine Mutter hinauszuleben, rätselhaft bleibt.

Was wir wissen ist, dass er mittlerweile ein versierter Autor hervorragender Stücke über Prinzessin Diana, Jimmy Savile und die Johnsons (Wilko und Boris) ist.

Hier ist er jedoch eher eine Chiffre, reduziert auf reumütige Blicke.

Während er seine Figur in einen Kinderschauspieler und einen anderen erwachsenen Darsteller aufteilt, der ihn als Dreißiger darstellt, hätte die Wahl eines alternativen Schauspielers für sein mittelaltes Ich seine kreativen Möglichkeiten erweitern und ihn vor den täglichen Qualen bewahren können.

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2024-11-15 04:50